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A arte de negociar a arte

por Patricia Figueiredo

A próxima vez que você ouvir alguém dizer que os negócios não têm lugar na arte – ou que a arte real é “pura” e livre de motivações comerciais – que o negócio corrompe a arte, lembre-se do exemplo do empresário mais bem-sucedido da história da arte: Andy Warhol.
Ser bom nos negócios é o tipo mais fascinante de arte”, disse Andy Warhol. “Ganhar dinheiro é arte e trabalhar com arte e gerar bons negócios é a melhor arte.”
Andy Warhol foi um artista plástico, pintor, empresário, cineasta e figura de destaque do movimento de pop art. Nascido no dia 6 de agosto de 1928, em Pittsburgh, na Pensilvânia, nos Estados Unidos, seu nome de registro é Andrew Warhola. Seus pais eram imigrantes operários do nordeste da Eslováquia. Durante sua infância, Warhol teve uma doença no sistema nervoso que provocava movimentos involuntários das extremidades. Ele tornou-se um hipocondríaco, ao longo da vida, desenvolvendo um medo de hospitais e médicos. Quando estava doente, desenhava, ouvia rádio e colecionava imagens de estrelas de cinema. Mais tarde, Warhol disse que este período foi importante para desenvolver sua personalidade.
Quando se formou em Belas Artes em 1949, Warhol mudou-se para Nova York para seguir uma carreira super bem sucedida como artista comercial vendendo ilustrações de produtos para anunciantes e lojas de departamento. Warhol transformou o sistema consumista americano em sua maneira de fazer arte. Abraçou o capitalismo numa época em que muitos na esfera criativa o viam com ceticismo, ou com total hostilidade. Foi também nessa época que ele deixou cair o “a” no final do seu último nome para se tornar Andy Warhol. Claramente adorava sua fama, tornou-se um destaque nas famosas boates da cidade de Nova York, como Studio 54 e Max’s Kansas City. Comentando sobre a fixação de celebridades – a sua própria e a do público em geral – Warhol observou, “mais do que qualquer coisa, as pessoas só querem ser estrelas”.
Warhol de certa forma, previu o surto de obsessão das celebridades que estamos experimentando agora ao proferir sua icônica frase “ no futuro todos terão seus quinze minutos de fama” , que tornou-se com o advento da internet mais atual do que nunca. Todos querem de alguma maneira ser famosos ao menos por 15 minutos. Em 1964, Warhol abriu seu próprio estúdio de arte, um grande armazém pintado de prata conhecido simplesmente como “A Fábrica”. A Fábrica rapidamente se tornou um dos principais pontos culturais da cidade de Nova York, uma cena de festas pródigas frequentadas pelas socialites e celebridades mais ricas da cidade, incluindo o músico Lou Reed, que prestou homenagem aos trapaceiros e travestis que conheceu na The Factory com seu sucesso. canção “Walk on the Wild Side”
Ele também se ramificou em novas direções, publicando seu primeiro livro, Andy Warhol’s Index, em 1967 e na sequência nos anos 70, continuou a explorar outras formas de mídia e publicou outros livros como The Philosophy of Andy Warhol (De A para B e vice-versa) . Warhol também experimentou extensivamente videoarte, produzindo mais de 60 filmes durante sua carreira. Alguns de seus filmes mais famosos incluem Sleep, que mostra o poeta John Giorno dormindo por seis horas, e Eat, que mostra um homem comendo um cogumelo por 45 minutos.
Com todo esse sucesso, no entanto, a carreira próspera de Warhol quase terminou em 1968. Ele foi baleado por Valerie Solanas, uma escritora aspirante e feminista radical, em 3 de junho dentro da “fabrica” onde foi seriamente ferido neste ataque. Solanas apareceu em um dos filmes de Warhol e ficou chateada com ele por sua recusa em usar um roteiro seu escrito anteriormente. Após o tiroteio, Solanas foi presa e depois se declarou culpada do crime. Warhol passou semanas em um hospital de Nova York, recuperando-se de seus ferimentos e passou por várias cirurgias subsequentes. Como resultado das lesões que sofreu, ele teve que usar um espartilho cirúrgico para o resto de sua vida.
Warhol usou seus conhecimentos e técnicas de design para criar uma imagem que fosse facilmente reconhecível, mas também visualmente estimulante. Em 1962, o ano em que a Pop Art foi estabelecida como o mais recente movimento artístico, Andy Warhol começou sua transição da arte pintada à mão para a arte fotográfica com uma série de obras inovadoras. Enquanto essas peças imitavam um método mecânico de produção, elas eram de fato pintadas à mão. Esse conjunto de obras foi chamado simplesmente de Campbell’s Soup Cans e se tornaria uma das peças mais emblemáticas de sua carreira. As projeções das latas foram traçadas na tela e pintadas à mão, fazendo com que este primeiro e original “lote” de latas de sopa fosse uma obra que parecia mais uniforme e mecanicamente produzida do que realmente era. A essência da própria Pop Art . A primeira exposição das latas em Los Angeles na Ferus gallery , apesar da indiferença do público, causou sensação no mundo da arte. O debate sobre como a arte poderia se preocupar com algo tão cotidiano, e parece imitar a produção em massa comercial, garantiu que as pinturas recebessem muita atenção. Um comerciante de arte em uma galeria próxima vendeu latas de sopa , anunciando-as como mais baratas que as de Warhol. Ferus vendeu várias Soup Cans individuais, incluindo uma para seu amigo próximo, o ator Dennis Hopper, mas rapidamente reconheceu que elas deveriam ser vendidas como um set. Ele comprou de volta os poucos que havia vendido e concordou em pagar a Warhol $ 1000 ao longo de 10 meses para todos os 32 trabalhos. Após a morte de Warhol em 1987 (parada cardíaca em decorrência de uma cirurgia), Blum acabou vendendo o set para o Museu de Arte Moderna de Nova York por mais de 15 milhões de dólares.
Muitos críticos atribuem a preservação do conjunto como a chave para o sucesso das obras. “Isso fez com que fosse diferente; foi uma declaração”, escreveu a jornalista Sara McCorquodale em 2015: “O trabalho parecia falar do espírito de uma nova América, que abraçou completamente a cultura de consumo da nova década. As imagens da Campbell’s Soup Cans se tornaram tão icônicas que as socialites de Manhattan estavam usando vestidos com estampa de sopa para eventos da alta sociedade.” Muitos críticos marcam esta primeira exposição de Campbell’s Soup Cans como o ponto de virada na carreira de Warhol.
Bens de consumo e imagens de anúncios estavam inundando a vida dos americanos e Warhol começou a sutilmente a recriar essa abundância, por meio de imagens encontradas na publicidade. O artista britânico Richard Hamilton descreveu a pop art como “popular, transiente, descartável, de baixo custo, produzida em massa, jovem, espirituosa, sexy, enigmática, glamourosa, grande negócio”. Como o próprio Warhol colocou, “Uma vez que você ‘tenha’ pop, você nunca mais poderá ver um sinal da mesma forma novamente. E uma vez que você pensou pop, você nunca mais poderá ver a América do mesmo jeito.”
Em sua entrevista a Gretchen Berg em 1966, Warhol disse o seguinte sobre si mesmo: “Se você quer saber tudo sobre Andy Warhol, apenas olhe para a superfície…e lá estou eu. Não há nada por trás disso” (Powers, 2012). Certamente há algo a ser dito sobre como essa superfície reflete para nós o conhecimento sobre nós mesmos.
Warhol era tímido, um homem de poucas palavras e de certa forma marginalizado socialmente, porque muitos partiram do pressuposto errado de que ele não tinha nada para dizer. Todavia, estavam errados e o que Warhol nos tentou dizer é algo profundamente chocante, de que somos todos iguais e dentro dessa sociedade capitalista, vazios. Através dessas repetições iconográficas ele nos faz refletir, principalmente nos dias de hoje, quando o consumo desenfreado e hedonista se tornou a bola da vez.
Até a próxima.